日前資深電影監製李烈在面對今年國片票房慘澹的數字，她在台北出席「2016台北電影學院-電影專業講座」語重心長地說：「相當反對年輕導演身兼編劇，理由是年輕導演生活經驗薄弱，論點不紮實，最後電影故事也就薄弱，導演也會陷在自己的作品裡太深，失去判斷力，不接受別人的意見跟調整。」另位資深監製葉如芬也表示每個職位都有存在意義，要尊重每個職位的專業。
【馬欣專欄】從李烈直言的人才斷層，看才子情結一把抓的盲點
會員專區娛樂
李烈在電影專業講座直點人才斷層，年輕創作者陷在自己的作品裡太深，其實在台灣歌壇也同時發生，這種導與寫、或歌與創作一把抓的現象，讓我們這十幾年作品普遍陷入自溺情結，導演們的鄉愁大刺刺地放進銀幕、歌手把自己有限的生活衝撞放大來唱，能寫進日記的，未必能唱或演出來，無論音樂或電影都淪陷在男性的鄉愁中，讓我們進入了鬼打牆的十年。
唱作藝人是個迷思
放在台灣歌壇情況更嚴重，陶喆、周杰倫一鳴驚人之後（大約2000年時，你看有多久），歌壇開始迷信唱作歌手。老實說，一個歌手能包辦一整張專輯創作（常常還會強調自己身兼製作），通常會讓人在旁捏一把冷汗，因為那通常是很有天分的人做的事，然而真有天分的人實在不多。王力宏雖有了才子封號，但傳唱歌曲有限，但他之後就成為一個公式，一直迷信好看的人來做歌。
而且以國外歌手來說，就算是天才，平均3張全創作專輯之後，往往靈感就開始走下坡，因為藝人成名後生活是相對封閉的，靈感觸角伸不出去，於是創作出來的音樂題材原地打轉、過度迷信技巧與形式上的突破，不再買單製作人制度，於是像流水帳或顧影自憐的歌曲就層出不窮。
音樂製作人重要性流失
唱片公司於是必需又一再挖掘新創作者，或是偶爾出現像〈草東沒有派對〉、〈那我懂你意思了〉那種令人驚豔的作者，但幾張之後，也令人擔心又容易困在死胡同裡，無論情緒或作品都有相當的風險性。這十幾年來，我們發了很多片，但能留下來的，維持長久穩定的創作量與品質的，比例仍然偏低。
在製作人重要性缺席的這10年，人才冒出的人數不少，但國語歌壇整體品質流失得非常快，人們新見獨立搖滾樂團才子輩出，但整體工業仍然沒有完整的配套流程，沒有製作人的品管與對市場預先的嗅覺，我們的歌壇新秀只能不斷採取散打策略，時不時發出零星的火花，卻無法完成整個產業的高度與長久經營，也使得歌壇人才折舊率偏高。
音樂產業失去製造趨勢的能力
獨立唱片如此，幾家主流（現在沒主流，只能說檯面上）的唱片公司包裝藝人也常迷信以會創作或製作為包裝，但你的確可以發現無論中小牌歌手都面臨靈感彈盡糧絕的疲態，除了林俊傑、吳青峰仍能產出亮點作品，多數過不了人生閱歷不夠的這一關，但反觀韓國唱片產業，無論YG、JYP、SM等幾大經紀公司都有它掌舵的招牌製作人，把握住一定流水線的暢通，製作人最重要的是創造趨勢，而10年來不重視製作人培養的我們，已經流失了製造趨勢的能力，以至於都是散打藝人，根本無法造成潮流，演藝圈沒有潮流可言，歌手們就是現在這樣，隨人顧性命而已。
題材自憐如鬼打牆
對於年輕的導演寫導一把抓、歌手追求寫唱一把抓的趨勢，也使得我們近年來電影或唱片作品都滿懷著莫名鄉愁感，複製當年初戀雛形、家鄉的殘影，各種記憶的印象如馬賽克拼貼。
唱作歌手也不乏如此鄉愁鼎盛的狀況，加入過多自己人生的縮影、碰撞、怨嘆等，而不是觀察他者而寫歌，於是有大量男性緬懷過去的鄉愁影視娛樂作品，這其實並不專業，除非群眾是他們的鐵粉，或是重度歷史傷痕愛好者，否則為何觀眾或聽眾想要介入創作者的人生鄉愁？選角選自己的分身，女生選角也離開不了他的美好回憶，這樣日記式的緬懷創作太多，從2016國片的選材，如《大尾鱸鰻2》、《人生按個讚》、《神廚》看似是誠意之作，但鄉愁意味真的太重，骨子裡都是顧影自憐的回憶溼氣尾大不掉。
無論是賀歲片、還是校園片，抑或是歌手自己的賭爛與奮鬥，以後請留給你們自己的日記吧，拍電影與專輯並不是一種自戀投射，廣泛取材、看到他者而創作，才能脫離「自溺」風氾濫的鬼打牆10年，真的走進一個能挑戰國際商業市場的規模。
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